Ceneri

« Ce qui commence comme une célébration collective se transforme progressivement en une cérémonie d’adieu. Certains corps sont emportés, voilés et symboliquement ensevelis par ceux qui restent. Des cendres et de l’eau tombent sur eux dans un geste oscillant entre punition, deuil et bénédiction. Au fil de l’histoire, les communautés ont créé des rituels pour honorer leurs morts et maintenir leur mémoire vivante. Enterrer, couvrir, laver un corps ou veiller auprès de lui n’a jamais été simplement un acte d’adieu, mais aussi une manière de reconnaître que l’existence individuelle se prolonge au sein d’une histoire partagée. Les morts demeurent parmi les vivants grâce au souvenir, aux récits transmis collectivement et aux gestes qu’une communauté choisit de préserver. Dans Ceneri, la cendre évoque à la fois la disparition et la permanence. Elle est ce qui subsiste après le passage du temps, mais aussi la trace matérielle d’une vie qui refuse de s’effacer complètement. L’eau, en revanche, agit comme un élément de transition et de transformation : elle purifie, accompagne, bénit et permet le passage d’un état à un autre. Ensemble, la cendre et l’eau transforment la scène en un rite ambigu, dans lequel il est impossible de savoir si nous assistons à une expulsion, à des funérailles ou à un acte collectif d’amour. La danse, la parole, la musique et la force du chœur transforment la scène en un espace de confrontation politique et émotionnelle. Comme chez Pasolini, les cendres ne sont pas simplement les vestiges de quelque chose qui appartient au passé. Elles sont la trace persistante d’une question qui continue de nous accompagner. L’image la plus contemporaine de l’œuvre n’est pas simplement celle d’une communauté qui s’immunise contre l’autre, mais celle d’une génération qui cherche désespérément à appartenir à quelque chose tout en craignant de perdre ce qui la rend singulière. Dans cette tension se rejoignent Gramsci, Pasolini et notre présent. » Marcos Morau

Marcos Morau et le Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto partagent un espace de recherche artistique, poétique et sociale qui s’inscrit dans la durée. Cette collaboration naît d’un désir commun d’explorer des idées essentielles de la culture, de la philosophie et de l’art italiens, tout en laissant place à la démarche artistique dynamique et curieuse de Morau, sans s’appuyer sur des résidences fixes ni sur des structures formelles. Cette nouvelle création reflète à la fois le sentiment d’une société qui semble de plus en plus fragmentée et l’importance de préserver la mémoire de la profondeur et de la pertinence de la pensée artistique italienne. Après s’être intéressé à l’œuvre et à la figure d’Ennio Morricone, Morau se tourne désormais vers Pier Paolo Pasolini, autre figure majeure dont les idées résonnent encore puissamment aujourd’hui. Alors que Notte Morricone était centré sur Morricone lui-même, Ceneri déplace l’attention vers le moment présent. Plutôt que de représenter Pasolini en tant que personne, la pièce prend appui sur ses mots pour réfléchir à la manière dont sa pensée continue de s’adresser à notre époque. Ce projet répond également à un besoin plus large : regarder de plus près le monde qui nous entoure, de la réalité urbaine quotidienne à l’espace imaginaire de l’art. Il invite à réfléchir à une question souvent absente du débat public actuel : le rôle de la culture dans la construction de notre manière de penser, de nous comporter et de vivre ensemble, en tant qu’individus comme en tant que communauté.

DOPPIOGIOCO

« À l’intérieur d’une boîte noire, des faisceaux de lumière blanche traversent l’espace : un anneau, un terrain, une frontière qui prétend définir qui nous sommes. Deux paniers identiques restent immobiles comme des sentinelles, symboles de conquête et d’échec, cibles qui s’illuminent ou s’effacent selon le regard de celui qui les observe. Tout est en place, et pourtant rien n’est stable : le jeu pourrait commencer à tout moment, même lorsque personne n’est véritablement prêt. Les corps entrent en scène, se reconnaissent, deviennent méfiants, se répartissent en équipes sans savoir pourquoi, nouent instinctivement des alliances et se trahissent par nécessité. Chaque geste est une épreuve qui vibre comme un pressentiment. Chaque pas peut relever du calcul ou de l’hésitation. L’échauffement ne prépare pas, il révèle : les tensions, les soupçons, le silence qui précède la rupture. Nous voyons le ballon au centre de la scène. Poids, promesse, menace. Lorsqu’il touche le sol, il ne rebondit pas simplement : il explose. Une petite explosion qui fissure la surface, le souffle, les relations entre les corps. Chaque passe est un risque, chaque tir un aveu. On s’en remet instinctivement à l’autre ou l’on frappe avec la précision d’un acte nécessaire. La protection et la blessure naissent de la même énergie. Les tentatives de tir se déroulent dans l’obscurité, fendant l’air comme des prières ou des défis lancés dans le vide. Celui qui tire ne peut savoir s’il atteindra la cible ou seulement le souvenir d’une intention. Dans cet instant suspendu, chacun retient son souffle. Ce qui compte n’est pas le score, mais le courage de ne pas regarder, de lâcher prise sur ce qui ne peut être contrôlé. Ensuite, le groupe éclate, s’effondre sur lui-même, se dévore et se soutient. Un contre tous. Tous contre un. La foule contre la solitude, et la solitude qui parfois crie plus fort que la foule. Les règles n’existent que pour être enfreintes. L’anneau n’est une cage que pour ceux qui n’osent pas le franchir. Les corps se poussent, se soulèvent et se bloquent mutuellement, comme dans la vie quotidienne, où l’amour et la compétition cohabitent dans un même geste. Puis, soudainement et sans prévenir, les corps se synchronisent. Les deux équipes se dissolvent et se reforment en un seul organisme respirant. C’est un instant fragile et absolu. La géométrie du terrain devient un guide, et non plus une barrière. Le conflit se transforme en danse, la lutte devient écoute. Il n’y a aucune victoire à poursuivre, seulement un équilibre soudain, aussi précieux qu’une trêve. Puis le chaos revient, car il fait partie de notre nature. Les alliances se brisent à nouveau. La trajectoire du ballon se fragmente dans l’air et se multiplie comme les doutes, comme les tentatives. Les ballons tombent les uns après les autres, des explosions au ralenti qui racontent ce qui a été perdu et ce qui pourrait encore arriver. » Philippe Kratz

DOPPIOGIOCO est une œuvre chorégraphique réunissant huit interprètes sur scène, dans un terrain de basketball transformé en espace de représentation. La scène est constituée d’un sol noir parcouru de lignes blanches qui délimitent le terrain ; un ballon de basketball et deux paniers en sont les seuls éléments scénographiques. La pièce repose sur une forte dualité musicale, où la musique classique contemporaine croise le hip-hop et se mêle à lui. À partir des mouvements athlétiques, la chorégraphie les transforme en un langage physique et relationnel, générant des dynamiques constamment changeantes entre le groupe et le duo, entre compétition, alliance et fragmentation.