Ceneri

„Was als gemeinschaftliches Fest beginnt, verwandelt sich allmählich in eine Abschiedszeremonie. Einige Körper werden von den Zurückbleibenden fortgetragen, verhüllt und symbolisch begraben. Asche und Wasser fallen in einer Geste auf sie herab, die zwischen Bestrafung, Trauer und Segen schwebt. Im Laufe der Geschichte haben Gemeinschaften Rituale geschaffen, um ihre Toten zu ehren und ihre Erinnerung lebendig zu halten. Einen Körper zu begraben, zu bedecken, zu waschen oder Totenwache zu halten, war niemals lediglich ein Akt des Abschieds, sondern auch eine Möglichkeit anzuerkennen, dass das individuelle Leben innerhalb einer gemeinsamen Geschichte fortbesteht. Die Toten bleiben durch das Gedenken, durch gemeinsam bewahrte Geschichten und durch die Gesten, die eine Gemeinschaft zu bewahren beschließt, unter den Lebenden. In Ceneri steht die Asche zugleich für Vergänglichkeit und Beständigkeit. Sie ist das, was nach dem Lauf der Zeit zurückbleibt, aber auch die materielle Spur eines Lebens, das sich weigert, vollständig zu verschwinden. Wasser hingegen fungiert als Element des Übergangs und der Verwandlung: Es reinigt, begleitet, segnet und ermöglicht den Übergang von einem Zustand in einen anderen. Gemeinsam verwandeln Asche und Wasser die Szene in ein mehrdeutiges Ritual, bei dem unklar bleibt, ob wir eine Vertreibung, eine Beerdigung oder einen gemeinschaftlichen Akt der Liebe erleben. Tanz, Wort, Musik und die Kraft des Chors verwandeln die Bühne in einen Raum politischer und emotionaler Auseinandersetzung. Wie bei Pasolini sind die Aschen nicht bloß die Überreste von etwas Vergangenem. Sie sind die beharrliche Spur einer Frage, die uns weiterhin begleitet. Das zeitgenössischste Bild des Werks ist nicht einfach das einer Gemeinschaft, die sich gegen das Andere immunisiert, sondern das einer Generation, die verzweifelt nach Zugehörigkeit sucht und zugleich fürchtet, das zu verlieren, was sie einzigartig macht. In dieser Spannung treffen Gramsci, Pasolini und unsere Gegenwart aufeinander.“ Marcos Morau

Marcos Morau und das Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto teilen einen fortlaufenden Raum für künstlerische, poetische und gesellschaftliche Forschung. Diese Zusammenarbeit entspringt dem gemeinsamen Wunsch, zentrale Ideen der italienischen Kultur, Philosophie und Kunst zu erforschen und Mor aus dynamischer, neugieriger künstlerischer Arbeit Raum zu geben, ohne auf festen Residenzen oder formalen Strukturen zu beruhen. Dieses neue Werk spiegelt sowohl das Gefühl einer Gesellschaft wider, die zunehmend zersplittert erscheint, als auch die Bedeutung, die Tiefe und Relevanz des italienischen künstlerischen Denkens in Erinnerung zu behalten. Nachdem Morau sich mit dem Werk und der Persönlichkeit Ennio Morricones auseinandergesetzt hat, wendet er sich nun Pier Paolo Pasolini zu, einer weiteren bedeutenden Persönlichkeit, deren Ideen bis heute stark nachwirken. Während Notte Morricone auf Morricone selbst ausgerichtet war, verlagert Ceneri den Schwerpunkt auf die Gegenwart. Anstatt Pasolini als Person darzustellen, geht das Stück von seinen Worten aus und nutzt sie, um darüber nachzudenken, wie sein Denken weiterhin zu unserer Zeit spricht. Das Projekt reagiert auch auf ein umfassenderes Bedürfnis: die Welt um uns herum genauer zu betrachten, von der alltäglichen urbanen Realität bis zum imaginativen Raum der Kunst. Es lädt dazu ein, über eine Frage nachzudenken, die in der heutigen öffentlichen Debatte häufig fehlt: die Rolle der Kultur bei der Gestaltung unserer Denkweise, unseres Verhaltens und unseres Zusammenlebens – sowohl als Individuen als auch als Gemeinschaft.

DOPPIOGIOCO

„In einer Blackbox wird der Raum von weißen Lichtstrahlen durchschnitten: ein Ring, ein Spielfeld, eine Grenze, die vorgibt, zu definieren, wer wir sind. Zwei identische Körbe stehen regungslos da wie Wächter, Symbole für Eroberung und Scheitern, Ziele, die je nach Blick des Betrachters aufleuchten oder verblassen. Alles ist vorbereitet, und doch ist nichts stabil: Das Spiel könnte jederzeit beginnen, selbst wenn niemand wirklich bereit ist. Körper betreten die Bühne, erkennen einander, werden misstrauisch, teilen sich in Mannschaften auf, ohne zu wissen warum, schließen instinktiv Bündnisse und verraten einander aus Notwendigkeit. Jede Geste ist eine Prüfung, die wie eine Vorahnung vibriert. Jeder Schritt könnte Berechnung oder Zögern sein. Das Aufwärmen bereitet nicht vor, sondern legt offen: Spannungen, Verdächtigungen, das Schweigen vor dem Bruch. Wir sehen den Ball in der Mitte der Bühne. Gewicht, Versprechen, Bedrohung. Wenn er den Boden berührt, springt er nicht einfach zurück, sondern explodiert. Eine kleine Explosion, die die Oberfläche, den Atem und die Beziehungen zwischen den Körpern erschüttert. Jeder Pass ist ein Risiko, jeder Wurf ein Geständnis. Man verlässt sich instinktiv auf den anderen oder schlägt mit der Präzision einer notwendigen Handlung zu. Schutz und Verletzung entstehen aus derselben Energie. Würfe auf den Korb erfolgen im Dunkeln und durchschneiden die Luft wie Gebete oder Herausforderungen, die ins Leere geworfen werden. Wer wirft, kann nicht wissen, ob er das Ziel trifft oder nur die Erinnerung an eine Absicht. In diesem schwebenden Augenblick halten alle den Atem an. Entscheidend ist nicht der Spielstand, sondern der Mut, nicht hinzusehen und loszulassen, was sich nicht kontrollieren lässt. Danach zerfällt die Gruppe, stürzt in sich zusammen, verschlingt sich selbst und stützt sich zugleich gegenseitig. Einer gegen alle. Alle gegen einen. Die Menge gegen die Einsamkeit und die Einsamkeit, die manchmal lauter schreit als die Menge. Regeln existieren nur, um gebrochen zu werden. Der Ring ist nur für jene ein Käfig, die sich nicht trauen, ihn zu überschreiten. Die Körper stoßen einander, heben sich gegenseitig hoch und blockieren sich, wie im Alltag, wo Liebe und Wettbewerb in derselben Geste wohnen. Und dann, plötzlich und ohne Vorwarnung, bewegen sich die Körper synchron. Die beiden Mannschaften lösen sich auf und formen sich zu einem einzigen atmenden Organismus. Es ist ein zerbrechlicher und zugleich absoluter Augenblick. Die Geometrie des Spielfelds wird zum Wegweiser und ist keine Barriere mehr. Konflikt verwandelt sich in Tanz, Kampf wird zu Zuhören. Es gibt keinen Sieg, den es zu erringen gilt, sondern nur ein plötzliches Gleichgewicht, so kostbar wie ein Waffenstillstand. Dann kehrt das Chaos zurück, denn es gehört zu unserer Natur. Die Bündnisse zerbrechen erneut. Die Flugbahn des Balls zersplittert in der Luft und vervielfacht sich wie Zweifel, wie Versuche. Die Bälle fallen einer nach dem anderen; Explosionen in Zeitlupe erzählen davon, was verloren gegangen ist und was noch geschehen könnte.“ Philippe Kratz

DOPPIOGIOCO ist ein choreografisches Werk mit acht Darstellern auf der Bühne, das auf einem Basketballfeld spielt, das in einen Aufführungsraum verwandelt wurde. Die Bühne besteht aus einem schwarzen Boden mit weißen Linien, die das Spielfeld markieren; ein Basketball und zwei Körbe sind die einzigen Bühnenelemente. Das Stück wird von einer ausgeprägten musikalischen Dualität getragen, in der zeitgenössische klassische Musik auf Hip-Hop trifft und mit ihm verschmilzt. Ausgehend von athletischen Bewegungen formt die Choreografie diese zu einer körperlichen und zwischenmenschlichen Sprache um und erzeugt ständig wechselnde Dynamiken zwischen Gruppe und Duett sowie zwischen Wettbewerb, Bündnis und Zersplitterung.